Buenaventura Durruti

Su nombre completo es José Buenaventura Durruti  Dumange, apellido este último que pasará a ser Domínguez. Nació el 14 de Julio de 1896 en León y murió en Madrid en extrañas circunstancias en 1936. Fue un importante activista anarquista español e incluso una columna que partió de Barcelona a Zaragoza durante la Guerra Civil llevó su nombre, la Columna Durruti.

A la edad de catorce años cursa estudios de mecánica bajo la tutela de Melchor Martínez, de ideología socialista y que tenía una cierta reputación de revolucionario en León. Es entonces en 1912 cuando se afilia a la Unión de Metalúrgicos de León, asociación ligada a la Unión General de Trabajadores, UGT, pero rápidamente se desvincula ya que considera que llevan a cabo un socialismo moderado.  Finalmente fue expulsado de la UGT por defender posiciones revolucionarias durante la huelga general de 1917.

En 1920 se instala en Barcelona, donde se afilia a la CNT, Confederación Nacional del Trabajo,  y en 1922 forma junto a Joan García Oliver, Francisco Ascaso y Ricardo Sanz el grupo  “Los Solidarios” y atracan el Banco de España de Gijón en 1923, para poder financiar el asesinato del cardenal  Juan Soldevila y Romero, que financiaba en Aragón a los “pistoleros blancos” que asesinaban a militantes obreros. Por ello tuvo que huir a Argentina y Chile donde continuó con su actividad revolucionaria.

En 1931 vuelve a España y se integra en el sector faista, próximo a la FAI, de la CNT y tras participar en distintas insurrecciones fue deportado por el gobierno republicano como preso preventivo junto a otros anarcosindicalistas. Durante el periodo de la República ingresó varias veces en prisión.

Sin duda hay que señalar su papel en la Guerra Civil (1936-1939) ya que fue uno de los protagonistas de la defensa de la ciudad de Barcelona. El 20 de julio de 1936, ya derrotado el alzamiento nacional en Barcelona, decidió poner rumbo a Zaragoza para liberar también a esta ciudad del alzamiento nacional, conviene señalar que por aquel entonces Zaragoza, como Barcelona, era un importante núcleo urbano anarquista. Se formó entonces la famosa Columna Durruti.

La Columna fue tomando todos los pueblos por los que pasaba y tras su paso, los campesinos tenían libertad para hacer la revolución, a los terratenientes se les expropiaban sus tierras para ser colectivizadas, se abole la libertad privada y se instaura el comunismo libertario (propiedad social de los medios de producción, disfrute de los frutos de trabajo por igual, rechazo de la plusvalía y sostiene que la retribución individual debe ser proporcional al trabajo realizado).

En noviembre de ese mismo año pone rumbo a Madrid para defender la capital del ataque fascista, y es precisamente el 19 de noviembre de 1936 cuando muere en extrañas circunstancias en el hotel Ritz de Madrid, sede del hospital de las milicias catalanas.

Digo que muere en extrañas circunstancias porque aunque está claro que lo que le mató fue el impacto de una bala, no se sabe cual era la procedencia de ese disparo. Por un lado la versión oficial de la CNT fue que murió a causa de una bala fascista, por otro lado las emisoras del bando nacional atribuyen el hecho a los comunistas, y estos aseguran que fueron los trotskistas e incluso la propia dirección anarquista.

Otras versiones dicen que murió a manos de unos ladrones que pretendía detener, o que la bala salió de su propia arma cuando se le cayó al suelo por accidente.

Finalmente el cuerpo de Durruti es llevado a Barcelona donde es enterrado.

“Llevamos un mundo nuevo en nuestros corazones.”

Durruti.                                                                                           Iñigo Rementería Varela

Robert Capa

  Es reconocido mundialmente como  el mejor fotógrafo de guerra del mundo. Inicio su carrera tras abandonar su Hungria natal y capturar en una instantánea a un gesticulante Leon Trotsky muy joven salió exiliado de Hungría hacia Berlín en donde trabajaría en la célebre agencia fotográfica Dephot.

Ahí el director de la misma, Simon Guttman, le ofreció su primera oportunidad a quien hasta entonces era un recadero y ayudante. Su primer trabajo: realizar un reportaje en Copenhage sobre el exiliado ruso León Trotsky

Endre Ernö Friedmann era su verdadero nombre ayudado por  Gerda Taro, esa bellísima mujer a quien conocería en París y quien se convertiría en su amante, le ayuda a inventarse otra personalidad: la de un fotógrafo norteamericano, que respondía al breve y sonoro nombre de Robert Capa (que era una unión cinematográfica proveniente de Robert Taylor y Frank Capra) con reconocida fama y prestigio pero que nunca se dejaba ver.

Aunque se descubrió el engaño, se quedó con el nombre y fue contratado en 1936, para cubrir la guerra civil española y las imágenes de este suceso aparecen simultáneamente en la francesa Vu, la londinense Weekly Ilustrated y la revista norteamericana Life, lo que pocos habían logrado para entonces. Es aquí donde se empieza a fraguar su fama. La guerra civil de España sin duda determinaría las capacidades de Capa en su movilidad dentro de los conflictos y le daría a su trabajo una especial implicación hacia la circunstancia humana.

Capa se había convertido en heredero inmediato de las vanguardias europeas pero ahora aplicadas éstas a la práctica fotodocumentalista: contrapicados con los que exaltaba la figura (que aplicados a los escenarios obreros emparentaban sus imágenes con el constructivismo ruso), barridos con los que obtenía dinamismo o geometrizaciones que le ofrecían dirección a la escena, todo con lo cual obtenía una visión heroica de los hechos.

“Life” lo contrató para seguir a las tropas norteamericanas durante la Segunda Guerra Mundial en el Norte de África y Europa. Su consagración llegó con las fotografías que tomó desembarcando con los aliados del “Dia D” en Normandía, donde Capa fotografió el avance casi suicida de los aliados hacia la costa francesa.

Luego llegaría la liberación de París, donde Capa registró la felicidad de la capital francesa al recibir a las tropas aliadas, el 26 de agosto de 1944. El itinerario gráfico de su antología continúa con el avance aliado hacia el Este, con despliegues de paracaidistas y escaramuzas con francotiradores para conquistar las ciudades alemanas y con una impresionante panorámica del ghetto de Varsovia completamente arrasado, en octubre de 1948. Poco después viajó a Palestina. Allí fue testigo de la llegada de los centenares de supervivientes judíos de Europa que acudían al recién nacido Estado de Israel.

Fue miembro fundador de la agencia Magnum.

Capa era infatigable. Su inquietud lo llevó  hasta el sureste asiático, nuevo escenario del enfrentamiento entre las grandes potencias mundiales. La última imagen que toma es una de la carretera de Thai Binh, en Indochina (actual Vietnam), el 25 de mayo de 1954. Iba a ilustrar un reportaje para la revista Life. Se ve a varios soldados avanzando a través de un campo abierto. Capa seguía de cerca, como siempre. “Si la imagen no es buena, es que no estás lo bastante cerca”, solía ser su lema. Ese mismo día y en ese mismo lugar, Robert Capa pisó una mina que acabó con su vida siendo el primer corresponsal americano muerto en esta guerra y terminando así una azarosa vida profesional.

BIBLIOGRAFÍA

1. Noticia: Robert Capa se estrena en Hollywoodhttp://www.elpais.com/articulo/cultura/Robert/Capa/estrena/Hollywood/elpepicul/20091015elpepicul_1/Tes

2. Noticia: una cantera inagotable de ficciónhttp://www.elpais.com/articulo/portada/cantera/inagotable/ficcion/elpepuculbab/20100807elpbabpor_4/Tes

3. Noticia: Capa Taro y la polémic a sin finhttp://www.elpais.com/articulo/cataluna/Capa/Taro/polemica/fin/elpepiespcat/20090707elpcat_11/Tes

4. Noticia:Endre Ernö Friedmann antes que Robert Capahttp://www.elpais.com/articulo/semana/Andre/Friedmann/Robert/Capa/elpepuculbab/20090627elpbabese_4/Tes

5. Noticia: la esquizofrenia de un país a través de una cámarahttp://www.elpais.com/articulo/cultura/esquizofrenia/pais/traves/camara/elpepucul/20090401elpepucul_6/Tes

6. Noticia: Capa reportero gráfico del siglo XXhttp://www.elpais.com/articulo/cultura/Capa/reportero/grafico/siglo/XX/elpepucul/20081212elpepucul_3/Tes

Antonio Fernández Baeza
DNI 77576498M

Antonio López García

Antonio López García nació en Tomelloso, Ciudad Real, el 6 de enero de 1936. Sus padres eran labradores acomodados. No continuó con el oficio familiar, por su gran talento con el dibujo, por lo que su tío Antonio López Torres, un pintor local de paisajes, le animó a que se dedicase a la pintura. Su primera formación la recibió de su tío.

Su actividad transcurre entre Tomelloso y Madrid hasta el año 1960. En 1961 se casa con María Moreno, también pintora, y tienen dos hijas, María y Carmen. Entre 1964 y 1969 imparte sus enseñanzas como profesor encargado de la Cátedra de Preparatorio de Colorido en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.

Pinta con gran lentitud, de forma meditada, buscando la esencia del objeto representado. Sus cuadros se desarrollan a lo largo varios años, retocándolos en infinidad de ocasiones hasta que los considera definitivamente acabados.

Antonio López expresa así su forma de pintar: “Una obra nunca se acaba, sino que se llega al límite de las propias posibilidades” o “Cuando estás pintando por ejemplo una calle, lo que estás viendo es tan extraordinariamente impresionante que a mí, desde luego, me cuesta muchísimo trasladar una parte de aquello. Eso es lo que me hace tardar tanto. Yo no puedo resolver todo ese espectáculo con rapidez”

Su creación abarca desde lo pictórico hasta lo escultórico. Sus esculturas son de gran verismo, como Hombre y mujer.

Antonio López es uno de los representantes del realismo contemporáneo español. Su obra se caracteriza por un sentido investigador de la realidad y está considerado como el padre de la escuela hiperrealista madrileña. Su estilo ha influido en numerosos artistas como Toral o Villaseñor.

En el año 1985 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias y en enero de 1993 es nombrado miembro de la Real Academia de San Fernando.

El director de cine Víctor Erice filmó en 1992 El sol del membrillo, en el que se recoge el proceso creativo del artista mientras pinta un membrillero del patio de su casa.

Algunos ejemplos son Los novios, Cuarto de baño, Membrillos y granados, Madrid desde Torres Blancas o La Gran Vía.

1974-1981 – Gran Vía (óleo sobre tabla, 90,5 x 93,5cm)

La Gran Vía, una de sus obras más conocidas, pintada en las madrugadas durante los veranos de 1975 y 1980.

El cuadro es una reproducción prácticamente exacta de la Gran Vía madrileña, fácilmente se puede confundir con una fotografía. López simula en sus obras el deterioro provocado por el paso del tiempo o el uso.

El hiperrealismo es un movimiento artístico surgido en los años 60. Nació como reacción al nuevo arte conceptual que se aleja de la pintura. Consiste en la representación exacta de la realidad partiendo de la fotografía, como en La Gran Vía.

Antonio López es el padre del hiperrealismo en España

1976-1982 – Madrid visto desde Torres Blancas (óleo sobre tabla, 145 x 244cm)

Creado durante seis años entre 1976-82, “Madrid desde Torres Blancas” es uno de los paisajes urbanos de  Antonio López García más delicados. Es un trabajo de amor, una magnífica panorámica de Madrid para una celebración del lado visual de existencia

De este autor me llamo la atención el día que acudió Antonio López, al patio gótico de la facultad de las ciencias sociales, jurídicas y de la comunicación de Segovia, con motivo de las segundas jornadas “huella de la ciudad: lecturas del espacio urbano”. Cuando vi su obra de “La Gran Vía”, me fascina ese realismo como llega a conseguirlo, trasmitirnos ese sentimiento, su manera de mostrarnos Madrid, además sus características de que no aparezcan personajes en las obras ese realismo, lo considero como un gran artista al que seguir, que sus charlas son amenas y volvería a próximas. Su forma de retratar lo que el hombre a construido, lo que ha llegado a crear el hombre, y no lo viejo, lo antiguo, esa manera de mostrarnos el urbanismo de Madrid o Tordesillas, ese pueblo sin historia pero nuevo, vemos claramente el hiperrealismo, mostrándonos la ciudad como si se tratase del punto de vista de un extranjero.

Además, podemos encontrar grandes entrevistas, como las que podéis ver en los videos anexos, en el que nos cuenta su punto de vista a la hora de pintar y características como, Lo condiciona todo a que el cuadro tenga espíritu, todo, sino la técnica no le sirve para nada. Cree que la belleza es un valor muy importante, pero no podemos crear una fórmula, esa fórmula ha existido durante siglos y fracaso totalmente, al final la verdad ha sustituido a la belleza, todo lo que es verdad es belleza.

Su tío pintor decía “que él no se acordaba de nadie cuando pintaba”. Cada vez nota que somos el resultado de la última pieza en la comida, en la vestimenta, una saturación terrible, hay que intentar defender y muscular la parte personal, porque cree que hay gente que está atrapada en la órbita de lo contemporáneo. Pero mira con tus ojos mira que impresión te producen las cosas.

También hemos dispuesto de obras del artista en el museo Esteban Vicente de Segovia, en el que pudimos contemplar una de sus grandes obras escultóricas de gran tamaño tituladas “Día” y “Noche”.

”Día”

También en este blog se puede acceder a más información sobre las conferencias que dio en el apartado de “Huellas de la ciudad”

<<Antonio López García>>Academic http://www.esacademic.com/dic.nsf/eswiki/92482 (10/12/2010)

<<Obra y biografía de Antonio López García>> ArteEspaña http://www.arteespana.com/antoniolopezgarcia.htm (10/12/2010)

Rubén Lecea Mauleón

16623405v

Jesús de Nazaret

 

Jonny Wilkinson

nombre: Jonathan Peter Wilkinson

edad: 31 años

peso: 84 kg

altura: 1,78

nacionalidad: inglesa

profesión: jugador de rugby

equipos en los que ha jugado: en sus primeros años de carrera milito en el Alton RFC y en el Farnham RFC. A partir de 1998 milito en los Newcastle Falcons has ta 2009, desde ese tiempo hata ahora juega en el equipo francés Rugby-Club Toulonnais. Con la seleccion inglesa lleva hasta el momento 70 paticipaciones.

años dedicados: desde los 4 años hasta la actualidad

mejor momento de tu carrera: el drop conseguido en la final de la copa del mundo en 2003 contra Australia que dio la victoria y la consecución del hasta ahora único título mundial de alguna selección del hemisferio norte.

curiosidades: Debido a que numerosas lesiones (de rodilla, ligamentos, brazo, hombro y riñón) Wilkinson ha tenido una carrera internacional con muchas interrupciones, y no volvió a actuar para su selección nacional hasta 1169 días después de su última intervención en la Copa del Mundo 2003, cuando apareció en el partido inaugural del Torneo de las Seis Naciones contra Escocia el 3 de febrero de 2007. En su regreso Wilkinson marcó 27 puntos, un record para la Copa Calcuta, y fue reconocido como el mejor jugador del partido (“Man of the Match“).  En el partido de la siguiente semana contra Italia se convirtió en el mayor anotador de la historia del “Seis Naciones”, en el partido del “Seis Naciones” de 2008 contra Italia se convirtió en el pirmer jugador inglés (y segundo en total) en marcar 1000 puntos para su selección nacional. También es le mayor anotador de drops en el rugby internacional con un total de 29. En marzo de 2008 pasó a ser el mayor anotador de la historia del rugby internacional de selecciones, superando al galés Neil Jenkins.  En septiembre de 2008 volvió a sufrir una grave lesión. En mayor de 2009 acordó unirse al plantel del club francés Toulon con un contrato por dos años, abandonando Newcastle después de doce temporadas.  En julio de 2009 fue convocado nuevamente al equipo nacional inglés por pirmera vez desde el “Seis Naciones” de 2008.

Jesús Sánchez Amado

DNI:28831803-S

Miquel Barceló

Miquel Barceló nació en 1957 en Felanitx (Mallorca). Es un firme representante del arte español contemporáneo. Estudió en la Escuela de Artes Decorativas de Palma de Mallorca y en 1974 continuó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Al año siguiente volvió a su ciudad natal y formó parte de Taller Lunatic, un grupo de arte conceptual.

Barceló ha avanzado a lo largo de su vida por caminos muy variados, lo que lo ha convertido en un artista versátil y en constante evolución, tanto en la técnica como en los materiales en las que sus primeras exposiciones dejaron paso a cajas con materiales en descomposición. Sus obras abarcan el ámbito de la pintura, la escultura, la cerámica y la fundición.

Característicos sus enormes lienzos figurativos de finales de los años setenta con un marcado expresionismo abstracto norteamericano junto con la pintura barroca, el art brut, el arte poveraitaliano, las obras de Joan Miró y Antoni Tàpies se cuentan entre las influencias que Barceló ha transfigurado en una formidable síntesis personal de índole neoexpresionista y de desbordante imaginación, de densa presencia matérica e inmensa riqueza plástica.

El reconocimiento internacional le llegó tras su participación en la Bienal de Sao Paulo de 1981 (donde sus obras mostraban influencias del y la transvanguardia italiana) y en la Documenta VII de Kassel de 1982. Estas influencias lo proyectaron a la escena artística  internacional en plena juventud.

Recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas de España en 1986 junto con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes que se le otorga en 2003. En 2004 expone en el museo del Louvre las acuarelas que creó para ilustrar la Divina Comedia de Dante, convirtiéndose en el primer artista que contemporáneo vivo que expone en el museo. En 2007 se realiza la inauguración de la intervención en la capilla del Santísimo en la Catedral de Palma y obtiene el doctorado honorífico por la Universidad de las Islas Baleares.  Realiza en 2007 los inicios para la decoración de la Cúpula de la sala XX del Palacio de las Naciones Unidas en Ginebra, que levanta un torbellino mediático al ser finalizada en 2008.

Se trata de la última obra del artista la sala bautizada como “La Sala de los Derechos Humanos y de la Alianza de Civilizaciones” es una obra que cubre los 1600 metros cuadrados de la cúpula y cuyo coste ascendió a veinte millones de euros dando forma tras nueve meses a un planeta, un mar, una cueva. Solo puede ser apreciada por el espectador de forma fragmentaria, debido a su gran superficie; en la cual, el artista da forma a miles de estalactitas marinas que en su conjunto evocan un gran mar universal.

Miquel Barceló ha logrado modelar la sede de la ONU de Ginebra, con 35.000 kilos de pintura de color y mucho ingenio e ingeniería, una cúpula barrida por olas y afilada por miles de estalactitas que resume la idea del mundo de Barceló: “una cueva que reúne a los hombres y se mueve hacia el futuro”. Es tan grande que es casi imposible verlo en su totalidad. El ojo humano solo capta fragmentos. El pintor ve su obra como una metáfora del mundo. Su gran característica es que no tiene dos puntos de vista iguales.

El techo de la sala, que era un enorme desierto blanco, se convierte en la nueva “capilla Sixtina del siglo XXI”. El artista intenta plasmar la idea de infinito en un mar revuelto inspirado en los cielos del barroco pero es también una cueva primitiva sembrada de estalactitas de hasta 2 metros de longitud. Barceló utilizó una pistola de “paintball” para disparar la resina con la que consiguió formar las estalactitas. Posteriormente las formas de resina se cubrieron después con esos 35.000 kilos de pintura, con un código de colores para crear esa cueva.

Después de cada sesión, el suelo del andamio quedaba cubierto por un mar de pintura caída de la cúpula. Los chorros de pintura fueron cubriendo la cueva-cúpula, pero con el descubrimiento del Nexópido (un tipo de pintura capaz de aguantar las estalactitas) todo cambió. A Barceló le gustaba tenderse en el suelo y mirar el efecto que producía su pintura. Él mismo ha dicho que quiere llevar al extremo pintar contra la gravedad.

Actualmente se puede conocer el estilo de este artista gracias a la exposición “tridimensional” de la CaixaForum Barcelona que recoge los 25 últimos años de su trayectoria artística. La exposición se estructura en torno a 7 espacios distintos que muestran las diferentes emociones, sensaciones y percepciones que Barceló pretende hacernos llegar con su visión particular del mundo, comenzando desde la sala de El mar, el museo, la biblioteca y el estudio; seguido de La solitude organisative, Cuadros del mundo terrenal, Huir del exceso, Un diario, Chemin de lumière y por último Retratos.

Esta muestra será la clave para poder llegar a experimentar de forma coherente y emocionante la obra de Barceló que consta de 180 obras, desde grandes telas creadas a partir del año 1982 hasta las más recientes, pasando por sus piezas cerámicas y escultóricas, sin olvidar las acuarelas, dibujos, pósteres, libros y cuadernos de viaje.

La obra que preside el exterior del CaixaForum Barcelona para la exposición es Gran Elefant dret que se trata de un elefante bocabajo, la cual está realizada en bronce fundido de unos 8 metros aproximadamente de altura con un peso de 5 toneladas.

La muestra de la exposición incluye objetos experimentales e incluso privados, colocados junto a obras clave, sobre todo pinturas, así como obras cerámicas y escultóricas, gouaches, acuarelas, dibujos, carteles, libros y cuadernos de viaje. Todo, para subrayar el ritmo y la variedad de su trayectoria. Por este motivo, el artista se ha implicado directamente en la selección de las obras, además de prestar algunas telas de su propia colección, lo que permite transformar la muestra en un auténtico acontecimiento, y no tanto en una retrospectiva de su trabajo.

Muchas de las obras ponen a prueba las técnicas y los géneros artísticos de una manera tremendamente original: bodegones y retratos tridimensionales, cerámicas que recuerdan bestiarios y recipientes antiguos, y aguadas delicadas y dibujos traslúcidos en los que las imágenes prácticamente se desvanecen.

Celia de Castro Jódar

DNI: 77358772-C

Wolf Vostell

Wolf Vostell nació en Leverkusen ( Renania ) el 14 de octubre de 1932, empezada la II Guerra Mundial se traslada a Checoslovaquia con su familia huyendo del conflicto bélico, una vez terminada la guerra regresa a Colonia pasando por Budweis, Praga, Chomitov, Dresden, Gera y Kassel.

Los primeros estudios de arte, trabajos de pintura, fotografía y litografía los hizo en Colonia, años más tarde en Austria visitó al gran dibujante Alfred Kubins, estos hechos del autor tuvieron lugar entre 1950-1953.

Un año más tarde Vostell visita la Academia de Arte de Wuppertal, en donde abarca los ámbitos de la pintura libre y tipografía experimental.

En 1955 se traslada a vivir a París donde comienza los estudios de pintura, grabado y anatomía en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes . Durante estos años trabajaba en la Biblioteca Nacional de París sobre El bosco, Goya, Bruegel y léger. Para ganarse la vida comenzó a trabajar de asistente para el diseñador de carteles A.M. Cassandre. En esta época Vostell trabaja con materiales básicos, los carteles arrancados que son deformados, borrados, decolorados, quemados o pintados encima.

En 1957 volvería a alemania donde sería aceptado para estudiar en la Academia de Artes de Düsseldorf, una de las academias mas antiguas de Alemania, en donde estudia el Talmud y la iconografía de los cuadros de El Bosco, puesto que años atrás ya había aparecido su interés por artistas como Goya, Bruegel, Zurbarán, el Bosco o Léger. Un año más tarde regresa a París y realiza el que seria su segundo happening de Europa, ” El Teatro está en la calle ”, una acción-dé-coll/age con público anónimo en una calle de París.

En el año 1959, se casa con la extremeña Mercedes Guardado Olicenza en Cáceres. Aunque sigue viviendo y trabajando en Colonia ( Alemania ). Crea obras de deformaciones de dé-coll/age electrónico con la imagen televisiva, oscilogramas de imagen y ruidos y utilizando objetos electroacústicos. En este año empezará a tener contacto con la WDR y Electrola y realizó también el acontecimiento ” Tv-dé-coll/age para un millón de espectadores ”.

En 1963 Vostell realiza su primera exposición individual en Nueva York en la Smolin Gallery, el primer ambiente con televisores en Estados Unidos se llamó ”6 TV-dé-coll/ages”,que estaba constituido por 6 videos, con sonido en blanco y negro, 6 televisores de 29”, 6 cajoneras de metal para oficina y un teléfono, que hoy en día forma parte de la colección del museo Berlinische Galerie en Berlín. Es participe del Yam-Fluxus-Festival con la obra ”Entierro de la televisión’. Conoce a Cage, Kaprow, Brencht, Wats, La Monte Young, Joe Jones, Al Hansen, Oldenburg, Warhol. En este año declara el “accidente de coche como escultura”. En wuppertal realiza otro happening, ”9 Nein-dé-coll/agen” y su primera exposición retrospectiva en la Galería Parnass.

Vostell descubre el método de trasladar la fotografía en emulsiones a la tela. En los años siguientes desarrolla una técnica y una química muy complicada para la combinación de emborronamientos, impresiones y atomizadores en las fotos eneteladas, que a finales de los años 60 culmina en los cuadros transparentales de los apilados de la serie “unfunktionirungen”. Presenta su primer video-film experimental ”Sun in your head” ( el sol sobre vuestra cabeza), realizado sobre la imagen perturbada de un programa de televisión.

http://www.youtube.com/watch?v=z5krhw54oqs

El año siguiente la obra de ”Sun in your head” ( una nueva forma de dé-coll/age electronico ), fue mezclada con acciones paralelas de público asistente, es estrenada en Amsterdam.

Es a partir de 1900, cuando se traslada a Extremadura y en donde crea el Museo Vostell de Malpartida de Cáceres, en el cual podemos encontrar diferentes obras del autor tanto escultura como pintura.

las imágenes que observamos en la parte superior son algunas de las esculturas que podemos observar en el Museo Vostell de Malpartida de Cáceres,

la imagen de arriba es una pintura que se encuentra en el museo titulada “mithosberlin”

En esta imagen podemos observar al propio autor Vostell pensativo, en medio del paisaje de los Barruecos en la provincia de Cáceres, con una de sus esculturas más voluminosa que se encuentra en el museo que tiene en Extremadura.

Cristina Ortega Solís dni:76048395-e